从历史发展的角度来看，钢琴艺术的发展经历了四种主要风格：巴洛克风格时期；维也纳古典风格时期；浪漫风格时期；印象主义风格与20世纪现代音乐风格时期。
总结各个时期的代表人物和音乐特征，从速度、力度、声音、和声、演奏方法、装饰音、踏板、演奏方法八个方面对巴洛克时期、古典时期和浪漫主义时期的钢琴演奏风格进行比较。
巴洛克风格时期，演奏速度适中，不太快也不太慢。快和慢是相对的概念，不是绝对的。
古典时期的演奏速度远高于巴洛克时期。两端展开，贝多芬的快板比海顿和莫扎特快得多，而富有表现力的慢板往往慢一些。
与古典时期相比，浪漫主义时期的速度大大扩展了。
强度由于巴洛克时期的击弦古钢琴采用了细弦、木结构和钢拨弦，其结构和音响原理决定了乐器的体积很小，在演奏上采用了“阶梯式”的强度处理，即逐层逐渐加强和减弱。
古典时期由于“锤琴”的出现，加大了音量，可以用不同的琴键进行渐增渐减，所以音乐表现力比巴洛克时期更加丰富。如果说在海顿和莫扎特的时代，还局限于发明的“槌状钢琴”，那么在贝多芬的时代，就有了更大的发展，力度明显加大。
浪漫主义时期的力量大大扩展了。比如莫扎特用的P和f，Ff出现在莫扎特的一部作品中(A小调奏鸣曲K.Nr.310)。贝多芬用了ppp和ff。李斯特甚至用了ffff。浪漫主义音乐强调人们感情的表达：热情、激动、悲伤等。所以力度起伏较大，音乐的表现力变得更加丰富。
演奏巴洛克时期的复调音乐作品时，要注意每个音符的键触，不仅要注意每个音符的音质，还要注意每一行的唱法。同时要注意把声音部分组织成良好的声部关系，这样才能把音乐横向和纵向组织成一个完美的整体。
在古典时期，钢琴的声音与古钢琴完全不同。莫扎特和海顿的声音更清晰，他们强调手指的颗粒感、清晰度和透明度。贝多芬的声音强劲而丰富，因为他的音乐内容往往富有戏剧性，他要求声音的音量和厚度大大超过莫扎特和海顿。
浪漫主义时期的音乐主要是表达个人感情，所以旋律很重要，声音的美很重要。声音的多层次是浪漫主义音乐的最大特点，旋律本身的唱功和旋律、伴奏的层次都很重要。
和声巴洛克时期的音乐主要是复调音乐，即由几条平行线组成，一般不分主次。即使很突出，几个声音还是应该保持独立。复调音乐是一种多层次、多线条、多重性的复杂思维。总有一种错觉，认为巴洛克音乐比后来的音乐更和谐。事实上，巴洛克音乐包含了极其尖锐的不协和音。20世纪音乐中经常出现的一些不和谐的声音，尤其是二度和七度的音程，在巴洛克音乐中大量存在，甚至大大超过了维也纳的古典时期。但这些不和谐的声音通常以余音、倚音、过音等形式出现。和外部声音或装饰声音。
古典时期，主旋律音乐取代了复调音乐，“旋律与和声背景”的主旋律音乐占据了第一的位置。“主-从-属-主”建立的功能和声及其调性关系体系成为音乐结构的框架。和声成了很重要的因素，钢琴的质感完全变了。有一个主旋律和伴奏，而不是像复调音乐那样几个旋律并行。
浪漫主义时期的和声丰富多彩，运用外和弦和远关系调制的方法可以获得清新的和声效果。钢琴织体的写法也大相径庭。
由于巴洛克时期古钢琴的力度变化不大，通常采用演奏方法和装饰性的声音来丰富作品的表现力。从演奏方法来看，主要用断奏和连奏来比较。由于巴洛克时期的作曲家并没有在乐谱上标注明确的演奏方法，因此演奏方法大致有两个基本但非绝对的原则：1。音阶(渐进性音调)由连奏进行。2。断奏用于跳跃超过三度的音程。
在古典时期，由于钢琴革命，更好的连奏可以在钢琴上演奏，特别是在贝多芬的一些作品中，强调了非常连续的声音，连奏成为一个重要的新因素。
浪漫主义时期有一个非常歌唱的连奏和一个非常短的跳跃。
装饰色调装饰色调一直是一个很复杂的问题：一、标志不统一。其次，同一个装饰音有几种不同的玩法。第三，由于后世写的乐谱版本越来越多，研究装饰音的难度加大。比如，比巴赫晚一百年的钢琴老师车尼尔，就能以他那个时代的审美趣味，轻松地诠释巴赫作品的装饰音。因此，现在非常重视对巴赫作品的原始手稿，即Urtext版本的考证。
巴洛克音乐作品中的装饰音类型有：波音、伊音、双波音、顺滑、颤音、回声、带各种前缀后缀的颤音等。巴洛克和古典时期装饰音的演奏基本原则如下：第一，装饰音必须从拍子上开始。二、颤音从上面第二个音开始，(这个适用于巴洛克时期，海顿，莫扎特，贝多芬的早期作品)。但是也有例外：为了避免重复，颤抖吧
音应从本音开始。古典主义时期海顿、莫扎特的装饰音基本继承了巴赫的传统，但贝多芬的装饰音则略为复杂。第一，颤音从原音开始。第二，颤音的数量较自由，不像巴罗克时期那么严谨，而是采用尽可能快的自由节奏颤音，显示出越来越快的趋势。
当然，以上谈及的只是一些一般规律，要弹好装饰音首先应透彻地研究作品的原稿，其次参考其他各种版本，然后在聆听大师录音的基础上从音乐的需要出发来掌握装饰音的正确弹法。
踏板由于巴罗克时代的古钢琴没有踏板，因此在训练中应该首先强调手指严格的连奏。但如果是在现代钢琴上演奏巴罗克时期的作品，那么也可以尝试用一点踏板，但必须考虑以下几个因素：1。不要将踏板踩太深，以免造成泛音。2。不要将踏板踩太长，即使在属于同一和弦的乐句进行时，也应根据线条而不是根据和声运用踏板。多换踏板可保持各声部的清晰。
踏板是古典主义时期发展起来的。弹奏海顿、莫扎特的作品时，踏板的用法应注意掌握以下的原则：1，在长音上踩，起到润色的作用。2，不要踩太深，要与不用踏板的部分产生很好的衔接。贝多芬作品中踏板的运用比海顿、莫扎特要多得多、复杂得多，这是由他的音乐内容所需要的表现力决定的：1。增强乐句的连贯。2。为使音响更加丰富饱满。3。为加强力度对比。4。为获得色彩性效果。
浪漫派时期踏板的使用更复杂、更精细。延音踏板包括长踏板、浅踏板和颤踏板的使用。还有弱音踏板，持续音踏板大量运用，增强了音乐的表现力。
弹奏方法在漫长的钢琴艺术史中，钢琴的弹奏方法经历了一个逐步改进和科学化的过程。这与乐器的构造、作品的音乐内容、意境、技术类型等是紧密联系的。在巴罗克和古典主义时期，由于古钢琴的琴键较浅、较轻，没有太大的力度变化，因此不需要用很大的力量去演奏，弹奏时更多的运用手指部分来弹奏，用力部位基本局限于手掌以下，手指是发力的基本出发点。
古典主义时期由于专职钢琴教师的出现，使钢琴技术有了很大的发展。当时出现了所谓的“手指派”，例如：莫扎特、克列门蒂就属于手指派，而贝多芬之后逐渐发展为手指和手臂相结合的方法。用我们现在的观点来看，“手指派”的训练方法是比较片面的训练方法。手指派里还主张高抬指训练，大量机械的训练，不讲音色、不讲歌唱性，追求快、响，很有危害性。
浪漫主义时期出现了一批炫耀高超演奏技巧的大师级钢琴嫁。经过李斯特、肖邦、舒曼、勃拉姆斯等人的不懈努力，钢琴的艺术表现力被淋漓尽致地发掘出来。浪漫主义时期被誉为钢琴技术发展的鼎盛时期，出现了大量的超级技术，例如，八度、和弦、双音、快速华彩经过句、震音与颤音、托卡塔式的两手交叉、远距离跳跃、刮键、重复音等等。由于技术类型的变化从而导致了用力部位的巨大变化，据有关记载：李斯特、肖邦当时的钢琴教学方法已非常科学，开始运用从指、腕、肘、臂、腰乃至全身的力量来演奏。这就是我们现在的重量与手指相结合的弹奏方法。
通过以上的比较，我们可以对不同时期的钢琴演奏风格有基本的了解。运用比较法进行学习可以使我们对钢琴音乐风格的历史发展有一个全方位的立体概念，从而更容易掌握不同时期作品演奏风格的尺度。当然，值得一提的是：由于以上提及的只是一些一般规律，而音乐是千变万化，因此，在学习音乐作品时，还应根据具体情况进行具体分析。
300年的钢琴演奏艺术是一个逐步发展的过程，在这一过程中，不仅积累了大量杰出的作品，而且逐渐地找到了比较科学的弹奏方法。但我们国内有些人仍然在走一百年前的老路子，他们对很多问题的认识还比较模糊，认为‘我怎么学就怎么教’。然而，为什么你要这样教？有没有道理？教得对不对？这些都是值得大家去思考的。对于一首作品，我们应如何解释、演奏、教学？这与作品的时代背景、民族风格、作曲家、作品的结构、速度、力度、声音、和声、奏法、装饰音、踏板、弹奏方法等问题都是息息相关的。因此，在教学中应该围绕这几个方面具体地分析作品，踏踏实实做一些研究。
